Le Français Olivier Bartoli, portraitiste.

Ma démarche ? Explorer la frontière entre l’image réelle et la subjectivité du sujet, voilà mon chemin. Partir de la simplicité d’un regard, c’est comme commencer par les trois couleurs primaires, débuter d’une pauvreté qui devient richesse.

Dans un monde en crise de relation, dans une société gangrenée par le pessimisme, redonner un regard positif et profond sur les personnes. Croire en l’humanité de chacun. Mes sujets sont donc très variés en âge et en provenance, du moment qu’ils aient quelque chose à me raconter, quelque chose que je pourrai ensuite traduire et interpréter pour les autres.

P 16 Olivier Bartoli

L'Américaine Kara Castro, peintre réaliste.

Je fais circuler l’eau sur la feuille. Quand je verse du pigment et de l’eau sur mon papier, cela revient à lire la surface et à l’amener à accepter ou relâcher l’eau qui transporte la couleur. Dans mes œuvres, je choisis mes objets en fonction des ombres qu’ils provoquent. Les objets en métal massif donnent des ombres dures qui ont l’air lourdes.

De simples traits tracés au crayon sont tracés sur la feuille d’aquarelle. Chaque peinture a besoin de quelque chose de différent : les pigments opaques peuvent servir pour une surface destinée à accueillir des détails, comme des caractères sur la page d’un livre.

P 17 Kara Castro

Le Polonais Micha Jasiewicz, paysagiste.

Je suis architecte et peintre à la fois – la peinture est une passion en même temps qu’un style de vie. Contrairement à ce que j’ai appris pendant mes études d’architecture, je perçois l’aquarelle comme un type d’art davantage que comme un style graphique.

Mes œuvres sont souvent inspirées par un rai de lumière sur une façade, la surface miroitante de l’eau ou le ciel gonflé de nuages plutôt que par un objet particulier.

P 18 Micha Jasiewicz

L'Américain Frank Spino, publicitaire converti aux beaux arts.

Il y a quelques années de cela, j’ai décidé qu’il était enfin temps pour moi de découvrir ce à quoi je pouvais parvenir si je consacrais toute mon énergie aux beaux-arts. En 2009, j’ai entrepris de peindre ma première véritable aquarelle.

Mon but est de peindre avec les couleurs adéquates et des compositions intéressantes qui font partager un moment, qui racontent une histoire, et qui vont émouvoir le spectateur comme moi je l’ai été. Cela, pour moi, est une peinture réussie.

P 19 Frank Spino

À mes yeux, le plus grand défi de l’aquarelle est que lorsque j’arrive à obtenir quelque chose d’incroyable, que ce soit par des effets mouillé sur mouillé, au pinceau sec ou en apportant des rehauts sur des détails, ce que l’on ressent alors est tout simplement inexplicable.

Mon inspiration vient de l’observation. Je suis intrigué par les objets délaissés et abandonnés, et je cherche à soutirer à la vie courante ses charmes cachés. Je pense qu’une chose ou un événement anodin a plus de chances de toucher le cœur des gens car, très souvent, c’est quelque chose d’ancré dans la réalité de tous les jours. Je souhaite que mon art parvienne avec succès à déchiffrer la beauté unique du quotidien pour atteindre l’universel.

 

P 22-25 Lok Kerk Hwang

• Mon inspiration : Il y a dans ma ville un magasin de réparation de bicyclettes ; son propriétaire a 80 ans et il travaille toujours pour ses clients. Son magasin était mon terrain de jeu quand j’étais enfant et, aujourd’hui encore, c’est là que je trouve l’inspiration pour la plupart de mes sujets. Je commence par observer et étudier l’arrangement spatial de la boutique ; je reviens ensuite la visiter à plusieurs reprises à des heures différentes afin de trouver le point de vue et les ombres qui m’intéressent le plus.
• Le choix de composition : Si vous comparez côte à côte la photo et mon tableau, vous constaterez que je n’ai pas changé grand-chose à la composition. La décision s’est prise sur le champ en voyant le sujet. J’ai choisi de changer la gamme de couleurs et les zones de haute lumière afin d’attirer le regard. J’ai décidé aussi de ne pas représenter le fond à cause de sa complexité et je voulais que le spectateur se concentre sur les sujets principaux : l’inscription sur le mur, les pneus et les vélos. De plus, j’ai utilisé des gestes amples afin de réduire l'importance des outils au premier plan.
• La méthode de travail :Si 70 % de la composition a été faite grâce à l’appareil photo, 20 % du travail consiste à perdre le fond confus et à centrer le toit. Je souhaitais mettre avant tout l’accent sur les panneaux, les pneus et les vélos. Les 10 % restants ont consisté à constamment me rappeler de ne pas trop peindre la machine au premier plan.
• Pas de sens caché : Ce tableau ne possède pas de sens ou de symbolisme particulier. Je ne cherche qu’à rendre, à l’aide de mes coups de pinceau, la beauté de quelque chose qui a tendance à disparaître de nos paysages, et particulièrement de ma ville natale.
• Diagonales : La diagonale joue un rôle très important dans la composition. Si vous l’enlevez, la partie inférieure prend trop d’importance par rapport à la partie supérieure ; il est donc nécessaire d’avoir cette oblique qui équilibre les masses. Cette diagonale permet aussi de guider l’œil du spectateur vers les vélos.
• Ma palette de couleurs : Mon nuancier tourne autour des trois primaires (jaune, rouge et bleu) ainsi que des couleurs obtenues en les mélangeant entre elles. J’ai choisi de l’ocre jaune pour le mur et un bleu outremer pour le vélo comme mes deux couleurs principales, car, ensemble, elles forment un duo plaisant à l’œil. De la terre de Sienne brûlée a été utilisée pour créer les marques sur les murs, rendre le bois et les pneus.

Nicholas Phillips,

Le sens de la mise en scène

Au commencement, il y la photo. Prenant pour point de départ des souvenirs d'enfance ou des idées glanées dans des livres ou des films, Nicholas Phillips mêle dans ses prises de vues des objets hétéroclites qui servent son scénario. Au générique des modèles saisis dans une séquence narrative, comme autant d'acteurs d'un film imaginaire... Et que l'aquarelle viendra fixer sur le papier pour l'éternité.

La séance photo nécessite plusieurs heures. C’est une expérience qui est un peu éreintante. Bien que je contrôle tous les éléments – le costume, la lumière, les postures du modèle, etc. – le hasard joue toujours un rôle important et significatif : il suffit que la tête se tourne, d’une mise au point particulière, d’une goutte d’eau. C’est là une des choses merveilleuses du travail d’après photo : ce n’est que grâce à lui que l’on peut saisir ces moments purement aléatoires. C’est en fait la rencontre fortuite entre la prévoyance et la chance.

Je commence par décalquer mon dessin avant de le poursuivre à l’aide de crayons aquarellables. Je monte très délicatement mes tons tout en lavant progressivement mon dessin. Le résultat final donnera l’impression d’une image qui apparaît de nulle part. Pour moi, c’est là que réside la vraie magie de l’aquarelle : une accumulation de lavis, sans traces de pinceau visibles, sans contours apparents mais flous et le blanc du papier conférant au tableau une luminosité interne.

P 31 Nicholas Phillips

Peter Jablokow,

De rouille et de fer

L'Américain Peter Jablokow est un illustrateur architecte de formation que nous avons retrouvé dans son atelier.

Il a une technique particulière pour texturer ses peintures: à l’aide de ruban à masquer, il masque une partie de la peinture avant de découper la forme exacte avec un cutter X-Acto pour obtenir une zone de travail très précise.

Dans les parties de la composition qui sont fluides et en mouvement, il fait gicler des couleurs avec une brosse à dents jusqu’à ce que la feuille soit saturée, puis il incline celle-ci dans tous les sens pour que les couleurs fusent et se mélangent. Là où plus de texture est demandée, il projette du fluide à masquer avec une brosse à dents ou un atomiseur à bouche, avant de charger la brosse à dents en couleur.

Les trains sont des témoins de notre passé, mais maintenant ils rouillent, abandonnés à leur destin, leurs entrailles exposées au regard du spectateur. J’aime le défi posé par la représentation de cet ensemble chaotique de tuyaux, câbles, soupapes, engrenages et vis. J’aime aussi le pari de recréer à l’aquarelle cette texture arbitraire, le résultat de l’effet du temps qui passe.

A propos de Engine 8380- Nose ci-contre : La formule simple que j’ai appliquée est la suivante : jaune auréoline pour les zones chaudes, bleu manganèse pour les froides, outremer et terre de Sienne brûlée pour les sombres.

Lorsque je choisis mon sujet, je suis à la recherche d’une source de lumière forte, d’une lumière qui va créer des ombres nettes et bien marquées et, je l’espère, des taches lumineuses sur l’ensemble de ces pièces mécaniques, ainsi que des reflets lumineux riches et variés. La contre-plongée est un angle de vue idéal pour saisir ces reflets, que j’essaie ensuite de mettre en valeur dans mes compositions. Ce sont les ombres et les reflets de lumière qui définissent au mieux les formes, ce qui explique leur importance dans mon travail.

P 32 Peter Jablokow

Retraitée de l'éducation nationale en 2011, Sylvie Griselle a trouvé l'inspiration sur portrait de Stan Miller représentant un homme à barbe blanche portant des lunettes (nous supposons qu'il s'agit de Nick's gaze). Portraitiste accomplie, elle aime montrer des visages ou des scènes représentant des peuples qui ont gardé une certaine authenticité ou un mode de vie étranger au nôtre.

Pour moi, le portrait n’est intéressant que s’il fait transparaître la personnalité et la pensée du modèle. Mais l’interprétation que j’en fais est indissociable de ma propre sensibilité. Ainsi, si on me demande le portrait d’une personne précise, la ressemblance est absolument nécessaire, mais elle ne m’interdit pas le choix de la posture et d’une touche personnelle dans la composition.

 

Pour les autres tableaux, je peux m’exprimer avec beaucoup plus de liberté. Le plus important n’est plus obligatoirement la ressemblance avec une personne donnée mais bien plus le partage d’une émotion.

 

P 68 Sylvie Griselle

Quelquefois, je fais des esquisses (sorte de montage) pour une meilleure composition et un équilibre plus juste. Ceci me permet, à partir d’une idée de base, de construire des personnages retenant pour l’un l’habillement, pour l’autre le visage ou l’expression, parfois l’environnement dont j’ai besoin.

Le travail dans l’humide demande une bonne maîtrise de la fusion des couleurs. Je commence donc toujours par poser les premiers lavis dans l’humide qui vont créer l’ambiance générale en prenant soin de réserver les blancs là où c’est nécessaire. Et je prends un soin particulier à choisir les couleurs de la carnation de mes modèles, car ce sont elles qui vont m’aider à donner vie au portrait. Au fur et à mesure que le papier sèche, je travaille les yeux (j’estompe les coups de pinceau à l’aide d’un spalter pour apporter plus de douceur)puis les ombres en remouillant si nécessaire le papier à l’aide d’un vaporisateur.

À partir de 1987, Bernard Alunni et Marie-Christine Lemayeur se spécialisent dans l’illustration pour la publicité ainsi que, dans une moindre mesure, dans l’illustration de jeux de rôle et de plateau. Dès 1994 et jusqu'à aujourd’hui, le couple se tourne vers l’illustration documentaire, principalement pour les livres jeunesse (notamment les éditions Fleurus Enfant, mais aussi Larousse, Beaumont/Cerf-Volant, Kid Pocket et Pocket Jeunesse, le Parc national du Mercantour…) ainsi que pour l’Office du timbre-poste de Monaco.

Nos aquarelles ont été réalisées au gré de nos balades et surtout de notre inspiration. Les lieux ont été choisis en fonction des bâtiments encore sur place, des vestiges les plus visibles, de leur esthétique et de l’émotion ressentie. Ensuite, lors de la réalisation du livre sur les sentiers de l’Histoire des Alpes Maritimes, un tri s’est opéré en fonction de l’historique des lieux et de ce que l’on pouvait en raconter.

 

P 86 Marie-Christine Lemayeur et Bernard Alunni

Au final, il nous a fallu à peu près deux ans de travail, entre les recherches historiques et l’exécution des aquarelles. Couvrant une très large période, puisque nous allons de la préhistoire (-400 000 ans) jusqu'aux XVIe-XVIIe siècles, nous avons dû aussi représenter des sites auxquels nous n’avions pas pensé au préalable, mais emblématiques de leur époque et donc incontournables...

Depuis notre rencontre aux Arts Décoratifs, nous travaillons toujours de concert. Un mimétisme pictural s’est accompli au fil du temps, même si certains arrivent encore à deviner qui fait quoi (sans regarder la signature !). Il est difficile pour nous de savoir ce qui nous caractérise l’un l’autre. Peut-être Marie-Christine est-elle plus sensible aux couleurs, tandis que je privilégie davantage les contrastes. Notre osmose, notre fusion dans la vie trouve ainsi son prolongement naturel dans le travail.

En illustration, il nous arrive parfois de travailler à quatre mains (à deux mains seraient plus juste car nous ne sommes pas ambidextres !), lorsque l’urgence se fait sentir ou par rapport aux préférences de chacun.

Joe Dowden est un artiste britannique qui nous livre ses secrets pour retranscrire sur la feuille la majesté des paysages automnaux.

Il a eu à ce jour seize expositions personnelles, aussi bien en Grande-Bretagne qu’à l’étranger. Ses œuvres ont été récemment exposées en Thaïlande, à l’occasion de la World Watermedia Exhibition (lire p. 14). Il a également publié huit livres sur l’aquarelle ; ses compétences techniques ont également été sollicitées par la presse et la télévision britanniques.

Pour représenter les tonalités chaudes et dorées, j'utilise des couleurs telles que l’or de quinacridone, l’or vert, la gomme-gutte afin de rendre la chaleur dans la couleur. Cette palette inclut aussi de la terre de Sienne brûlée, que j’utilise souvent. Ces couleurs chaudes sont ajoutées à mes verts.

Pour moi, une peinture, c’est 95% de valeurs et 5% de couleurs. Et la chose la plus importante est la lumière. Elle ne vient pas des couleurs, mais bien des valeurs. Une des plus grandes difficultés pour les amateurs qui apprennent à peindre est de chercher à rendre la lumière par la couleur. J’utilise la gamme la plus large possible de valeurs, depuis le blanc du papier jusqu’aux tons les plus sombres.

J’aime peindre sur le motif et j’aime aussi prendre des photos. Ce sont deux formes d’art à part entière. Pour moi, un appareil photo est du soleil en boîte. Je m’en sers pour capturer la lumière. Et ce qui est éphémère. Bien souvent, je prends de nombreux clichés avant de faire un tableau ; mes sujets sont enregistrés dans mon appareil. Et à propos de peinture sur le motif, je viens tout juste de rentrer d’un séjour où j’ai pu peindre avec des artistes du monde entier. L’un des peintres dont j’ai appris à aimer le travail est Ong Kim Seng – un puriste de l’aquarelle qui ne peint que sur le motif et qui, en moins d’une heure, est capable de saisir l’essentiel d’une scène et de restituer sa lumière.

 

P 72 Joe Dowden

Voici comment je traite les feuillages dans mes œuvres :

1. Avec la pointe d’un pinceau bien chargé en peinture, je laisse tomber des éclaboussures du bas vers le haut de la feuille. Au fur et à mesure que le pinceau se décharge de sa couleur, les gouttes projetées deviennent de plus en plus petites, donnant ainsi une illusion de perspective. Il s’agit d’un procédé aléatoire mais structuré.
2. Je commence, à l’aide d’un pinceau à lavis, à faire des projections d’eau. En entrant en contact avec la feuille, ces gouttes prennent une forme étoilée. Cela permet de créer non pas les feuilles, mais les espaces sombres entre les feuilles. En projetant ensuite des éclaboussures de peinture liquide sur des taches d’eau propre, on obtient des dessins et des rythmes de forme particulièrement sophistiqués. En procédant ainsi sur plusieurs couches, et en attendant que chacune sèche avant d’appliquer la suivante, on peut obtenir des feuillages parfaits de la manière la plus artistique qui soit.

Cette méthode constitue un bon équilibre entre le contrôle et l’imprévisibilité. De plus, des événements aléatoires peuvent survenir sans que ceux-ci risquent de gâcher la peinture. Ces éclaboussures imitent en fait les forces de la gravité et rendent compte de l’effet du vent qui a distribué les graines qui ont créé les plantes. Les espaces en forme d’étoile donnent un sentiment de vide entre les feuilles. La perspective peut être rendue de cette manière. Une telle technique nécessite cependant, pour être bien assimilée, d’avoir quand même des compétences artistiques car elle est assez sophistiquée. Et en même temps, il n’y a plus de traces de la main sur la feuille, ce qui peut me plaire.

Linda est actuellement Présidente et membre à vie de la National Watercolor Society, elle a siégé au comité et est juge de l’American Watercolor Society et a également fait partie du comité de Watercolor West (voir page 10).

Bien que l’on m’ait enseigné de ne jamais utiliser de couleurs teintantes, je les trouve adaptées à ma méthode de travail en grisaille. Un voyage dans un atelier de tissage au Mexique m’a convaincue que je pouvais obtenir toutes les couleurs à partir de trois primaires seulement. Il est possible de superposer les lavis et les glacis tout en gardant la transparence et la fraîcheur de l’aquarelle.

 

P 80 Linda Doll

Le travail des formes en négatif est quelque chose de très important pour moi, j’y accorde beaucoup d’attention lors de la conception de mon tableau. Je laisse dans ma peinture beaucoup d’espaces vierges ; ce qui m’intéresse avant tout est de montrer l’interaction entre les personnages.

1. Je commence par un lavis sur la feuille qui peut être uniforme ou aléatoire. Je travaille à l’instinct, sans trop me préoccuper de ce qui se passe sur la feuille, je m’assure simplement que je varie les ambiances, les températures de couleurs, etc.
2. Ensuite, je compare mon esquisse à la douzaine de feuilles ainsi préparées et je choisis celle qui s’accordera le mieux à l’esquisse. Je reporte mon dessin sur mon lavis coloré.
3. Je peins ensuite tout ce qui est dans l’ombre ; je place également mes valeurs moyennes qui me permettent d’unifier ma peinture. J’essaye de constamment varier les couleurs.
4. Je ne me préoccupe pas du ton local à ce stade, juste des lumières et des ombres. Une fois ces couches sèches, j’ajoute ensuite les couleurs locales ou mes tonalités sombres afin de terminer la peinture.

J’ai choisi la thématique de l’autoportrait pour différentes raisons :

1. Comme modèle, je suis toujours disponible vingt-quatre heures sur vingt-quatre, sept jours sur sept.
2. Plus j’entretiens ma pratique en me dessinant et en me peignant moi-même, mieux j’arrive à peindre les autres.
3. L’autoportrait aiguise mon regard et m’aide à discerner les détails d’un visage avec ses angles, ses lumières et ses expressions. Qu’il s’agisse d’un autoportrait ou du portrait d’une personne autre que moi, le défi et la satisfaction sont toujours au rendez-vous.

Quand je peins avec une large gamme de couleurs, j’essaie de les distribuer sur l’ensemble de ma composition afin de créer de l’unité ; cette unité colorée est souvent pour moi le plus grand défi.

La question de l’habileté technique est celle de la maîtrise par l’artiste du moyen d’expression qu’il a choisi. Un artiste doit peindre de manière fluide et sans hésitation. Et encore, cela ne suffit pas. Ses qualités picturales propres et l’émotion ressentie sont également des considérations importantes.

Une peinture doit être quelque chose qui vous saisit et vous attire. Je suis une personne de nature impétueuse quand je peins. Donc, j’aime aborder ma peinture de façon impétueuse, en prenant des risques et en étant toujours sur le fil.

 

P 90 David Lobenberg

1. premiers lavis : Je commence par poser mes premiers lavis initiaux,mouillé sur sec
2. La chemise : À l’aide du pinceau large – celui que je tiens dans ma main sur la photo –, je pose les tonalités de ma chemise, mouillé sur mouillé. Un petit vaporisateur m’aide à disperser la peinture sur laquelle je reviens ensuite tant qu’elle est encore humide, avec un pinceau chargé, afin de créer des sinuosités.
3. Le visage : Je continue à travailler le visage grâce à des lavis clairs, en mouillé sur sec. J’accentue les traits en montant progressivement mes couleurs par le biais de lavis transparents.
4. Le fond : Je m’intéresse maintenant au fond. Je cherche le bon équilibre entre tonalité et valeur ; je peins avec ma feuille à l’envers et ma planche relevée afin de faciliter l’écoulement de l’eau.
5. Je termine mon fond en ajoutant des lignes sinueuses dans le frais, c’est-à-dire pendant que la couleur utilisée pour l’arrière-plan est encore humide.
6. Mélanges : Voilà à quoi ressemble ma palette en cours de séance… Je nettoie à intervalles réguliers la zone qui me sert à faire mes mélanges afin de garder des couleurs propres. Je peins la main.
7. Contrastes : Ici, à l’aide de mon pinceau aquarelle, j’ai passé un autre lavis sur le fond par-dessus le premier. Ceci afin de renforcer le contraste de valeurs entre le fond et la forme constituée par ma main et ma tête.
8. Réserves : Je renforce mes valeurs. Je réserve certaines zones à l’aide de ruban adhésif pour peintre 3M que je découpe en petits bouts en fonction de la zone que je souhaite préserver. Je peux décider de garder ces endroits blancs ou de repeindre par-dessus avec une autre couleur. L’avantage de cette bande adhésive est qu’elle peut être retirée facilement sans endommager ma feuille.
9. Vaporiser : Avec un vaporisateur, j’enlève de la couleur dans mon fond.
10. Finitions : À l’aide de mes carrés Conté, j’ajoute de la couleur opaque sur l’œuvre en cours.