Il est intéressant de comparer le cinéma et la peinture en tant que genre artistique. Les réalisateurs ont tellement de matière avec laquelle jouer pendant 90 minutes – combien d’images fixes cela peut-il bien faire ? – la musique, les dialogues… Le peintre, en revanche, n’a qu’un cadre, une seule image fixe, et il ne possède comme outils que sa peinture et sa composition.
Pour Beauty Coming Down (voir p. 30-31) comme pour mes autres peintures, une idée ou une réfl exion sur une situation donnée ou un événement difficile est toujours le point de départ d’un tableau. Le déclic peut être quelque chose de très anodin, comme un objet : des volets (Chulia Street, ci-dessus), un téléphone (1415 Local, p. 28), une lettre adressée à l’entreprise de mon grand-père (Penang Turf Club, ci-contre).    

P 31 Nicholas Phillips

    Une scène va ensuite se construire autour de cette idée : un ensemble de circonstances possibles, un personnage, un instant. En fait, la mise en scène lors de la prise de vue constitue véritablement la partie créative de mon travail, car je dois penser à la composition de mon image, à ce que je dois garder, ce que je dois enlever.
Réaliser la peinture d’un autre côté est plus un travail qu’autre chose, avec un nombre d’heures conséquent : au bout du compte, je ne fais que simplement copier une photo. Je ne ressens pas le besoin d’imposer ma personnalité ou mon côté artistique lors de ce processus ; d’ailleurs, la composition n’aurait pas pu être obtenue sans l’aide d’un appareil photo. Tout autre intervention – ajout de la signature au pinceau, par exemple – serait hors de propos ou détournerait l’attention.

Aussi, vous vous poserez peut-être la question : pourquoi ne pas s’arrêter à l’étape de la photographie ? La réponse se trouve dans l’aquarelle finie : c’est une chose unique, avec sa propre enveloppe physique ; des pigments illuminés par la blancheur du support papier. J’espère que c’est un instant de beauté.    

    Lorsque je choisis mon sujet, je suis à la recherche d’une source de lumière forte, d’une lumière qui va créer des ombres nettes et bien marquées et, je l’espère, des taches lumineuses sur l’ensemble de ces pièces mécaniques, ainsi que des reflets lumineux riches et variés. La contre-plongée est un angle de vue idéal pour saisir ces refl ets, que j’essaie ensuite de mettre en valeur dans mes compositions. Ce sont les ombres et les reflets de lumière qui définissent au mieux les formes, ce qui explique leur importance dans mon travail.    

   A propos de Engine 8380- Nose

    C’est le sommet de ce que je peux faire en termes de couleurs poussées au maximum.
La formule simple que j’ai appliquée est la suivante : jaune auréoline pour les zones chaudes, bleu manganèse pour les froides, outremer et terre de Sienne brûlée pour les sombres.

Lorsque je choisis mon sujet, je suis à la recherche d’une source de lumière forte, d’une lumière qui va créer des ombres nettes et bien marquées et, je l’espère, des taches lumineuses sur l’ensemble de ces pièces mécaniques, ainsi que des reflets lumineux riches et variés. La contre-plongée est un angle de vue idéal pour saisir ces reflets, que j’essaie ensuite de mettre en valeur dans mes compositions. Ce sont les ombres et les reflets de lumière qui définissent au mieux les formes, ce qui explique leur importance dans mon travail.    

    Pour moi qui peins de manière réaliste, il existe plusieurs aspects délicats dans le portrait. Le dessin d’abord : après avoir choisi le modèle et la composition, je dois lui accorder une attention toute particulière. Je le veux précis et dans le respect des proportions, car c’est lui qui va m’aider à guider mon pinceau. Puis vient la peinture : il faut qu'elle donne vie au sujet, un portrait n’est pas une photographie.
J’apporte une importance essentielle au regard, miroir de l’âme de mes personnages. Aux mains, dont la position et les volumes m’aident à créer l’illusion d’un mouvement et dévoilent l’humeur, la pensée, parfois la condition sociale de mes personnages.

Quelquefois, je fais des esquisses (sorte de montage) pour une meilleure composition et un équilibre plus juste. Ceci me permet, à partir d’une idée de base, de construire des personnages retenant pour l’un l’habillement, pour l’autre le visage ou l’expression, parfois l’environnement dont j’ai besoin.

Le travail dans l’humide demande une bonne maîtrise de la fusion des couleurs. Je commence donc toujours par poser les premiers lavis dans l’humide qui vont créer l’ambiance générale en prenant soin de réserver les blancs là où c’est nécessaire. Et je prends un soin particulier à choisir les couleurs de la carnation de mes modèles, car ce sont elles qui vont m’aider à donner vie au portrait. Au fur et à mesure que le papier sèche, je travaille les yeux (j’estompe les coups de pinceau à l’aide d’un spalter pour apporter plus de douceur)puis les ombres en remouillant si nécessaire le papier à l’aide d’un vaporisateur.

Le papier Arches est mon support habituel sur lequel il est parfois difficile d’ouvrir des blancs : c’est un papier qui absorbe les pigments et qui sature assez vite. Je m’essaie donc actuellement à d’autres marques pour découvrir d’autres effets.    

    Sagesse ou Malice

Ce tableau, qui représente un vieux Népalais, attire dans un premier temps le regard par la lumière qui jaillit de la gauche en estompant l’habit et une partie du visage et des mains du modèle pour le guider rapidement vers l’élément central, à savoir le visage de cet homme âgé. Cette lumière permet de mettre en valeur l’étincelle amusée du regard, le sourire gentiment moqueur qui traduisent un sentiment de bienveillance et de sagesse.
Le personnage se sait observé mais n’exprime aucune gêne, on dirait même qu’il pose. L’empathie et la complicité qu’il nous témoigne nous donnent même l’impression que c’est lui qui nous observe. Voilà la raison essentielle pour laquelle j’ai choisi ce tableau, et apparemment le public y a été aussi sensible que l’ont été mes proches.

    L’aquarelle nous permet en outre de travailler de façon plus spontanée que notre travail habituel à l’acrylique, tout en conservant un grand souci du détail. Rigueur et liberté sont les deux mots qui synthétisent bien notre vision de l’aquarelle.
Notre objectif était de faire une sorte d’état des lieux le plus précis possible de chaque site ; il nous est donc apparu tout à fait naturel d’opter pour des représentations très réalistes, tout en essayant d’insuffler, par le prisme de l’aquarelle, une aura poétique fidèle à l’émotion que nous avons ressentie sur place.

Au final, il nous a fallu à peu près deux ans de travail, entre les recherches historiques et l’exécution des aquarelles. Couvrant une très large période, puisque nous allons de la préhistoire (-400 000 ans) jusqu'aux XVIe-XVIIe siècles, nous avons dû aussi représenter des sites auxquels nous n’avions pas pensé au préalable, mais emblématiques de leur époque et donc incontournables...

Depuis notre rencontre aux Arts Décoratifs, nous travaillons toujours de concert. Un mimétisme pictural s’est accompli au fil du temps, même si certains arrivent encore à deviner qui fait quoi (sans regarder la signature !). Il est difficile pour nous de savoir ce qui nous caractérise l’un l’autre. Peut-être Marie-Christine est-elle plus sensible aux couleurs, tandis que je privilégie davantage les contrastes. Notre osmose, notre fusion dans la vie trouve ainsi son prolongement naturel dans le travail.

En illustration, il nous arrive parfois de travailler à quatre mains (à deux mains seraient plus juste car nous ne sommes pas ambidextres !), lorsque l’urgence se fait sentir ou par rapport aux préférences de chacun.    

Peindre un paysage d'automne avec Joe Dowden

Joe Dowden est un artiste britannique qui nous livre ses secrets pour retranscrire sur la feuille la majesté des paysages automnaux.

Il a eu à ce jour seize expositions personnelles, aussi bien en Grande-Bretagne qu’à l’étranger. Ses œuvres ont été récemment exposées en Thaïlande, à l’occasion de la World Watermedia Exhibition (lire p. 14). Il a également publié huit livres sur l’aquarelle ; ses compétences techniques ont également été sollicitées par la presse et la télévision britanniques.

    Pour représenter les tonalités chaudes et dorées, j'utilise des couleurs telles que l’or de quinacridone, l’or vert, la gomme-gutte afin de rendre la chaleur dans la couleur. Cette palette inclut aussi de la terre de Sienne brûlée, que j’utilise souvent. Ces couleurs chaudes sont ajoutées à mes verts.

Pour moi, une peinture, c’est 95% de valeurs et 5% de couleurs. Et la chose la plus importante est la lumière. Elle ne vient pas des couleurs, mais bien des valeurs. Une des plus grandes difficultés pour les amateurs qui apprennent à peindre est de chercher à rendre la lumière par la couleur. J’utilise la gamme la plus large possible de valeurs, depuis le blanc du papier jusqu’aux tons les plus sombres.

J’aime peindre sur le motif et j’aime aussi prendre des photos. Ce sont deux formes d’art à part entière. Pour moi, un appareil photo est du soleil en boîte. Je m’en sers pour capturer la lumière. Et ce qui est éphémère. Bien souvent, je prends de nombreux clichés avant de faire un tableau ; mes sujets sont enregistrés dans mon appareil. Et à propos de peinture sur le motif, je viens tout juste de rentrer d’un séjour où j’ai pu peindre avec des artistes du monde entier. L’un des peintres dont j’ai appris à aimer le travail est Ong Kim Seng– un puriste de l’aquarelle qui ne peint que sur le motif et qui, en moins d’une heure, est capable de saisir l’essentiel d’une scène et de restituer sa lumière.    

P 72   Joe Dowden

Voici comment je traite les feuillages dans mes œuvres :

1. Avec la pointe d’un pinceau bien chargé en peinture, je laisse tomber des éclaboussures du bas vers le haut de la feuille. Au fur et à mesure que le pinceau se décharge de sa couleur, les gouttes projetées deviennent de plus en plus petites, donnant ainsi une illusion de perspective. Il s’agit d’un procédé aléatoire mais structuré.
2. Je commence, à l’aide d’un pinceau à lavis, à faire des projections d’eau. En entrant en contact avec la feuille, ces gouttes prennent une forme étoilée. Cela permet de créer non pas les feuilles, mais les espaces sombres entre les feuilles. En projetant ensuite des éclaboussures de peinture liquide sur des taches d’eau propre, on obtient des dessins et des rythmes de forme particulièrement sophistiqués. En procédant ainsi sur plusieurs couches, et en attendant que chacune sèche avant d’appliquer la suivante, on peut obtenir des feuillages parfaits de la manière la plus artistique qui soit.

Cette méthode constitue un bon équilibre entre le contrôle et l’imprévisibilité. De plus, des événements aléatoires peuvent survenir sans que ceux-ci risquent de gâcher la peinture. Ces éclaboussures imitent en fait les forces de la gravité et rendent compte de l’effet du vent qui a distribué les graines qui ont créé les plantes. Les espaces en forme d’étoile donnent un sentiment de vide entre les feuilles. La perspective peut être rendue de cette manière. Une telle technique nécessite cependant, pour être bien assimilée, d’avoir quand même des compétences artistiques car elle est assez sophistiquée. Et en même temps, il n’y a plus de traces de la main sur la feuille, ce qui peut me plaire.

Simplifier les formes avec   Linda Doll

Linda est actuellement Présidente et membre à vie de la National Watercolor Society, elle a siégé au comité et est juge de l’American Watercolor Society et a également fait partie du comité de Watercolor West (voir page 10).
L'artiste américaine a fait des scènes de plage son sujet de prédilection. En 10 termes essentiels, elle nous expliquer les fondements de sa vision.

1. ANTÉCÉDENTS
Mon père avait dessiné beaucoup de pastels au cours de la Seconde Guerre mondiale. Assis, il m’expliquait comment rendre la fumée, le feu, l’eau… J’adorais l’écouter parler d’art. J’ai grandi à Brooklyn à une époque où, à cause des épidémies de polio, il était demandé aux enfants de rester chez eux pour se reposer tous les jours entre midi et trois heures. Je passais donc mes journées à dessiner des robes de plage pour mes poupées. Je pense que cela a eu une influence sur mon travail actuel.

2. CORPS
Je préfère peindre des personnages vus de dos ; non pas parce que je ne sais pas peindre les visages, mais parce que j’ai le sentiment que les photos dans les magazines et les publicités mettent déjà trop l’accent sur ceux-ci. Les gens sont beaux, non pas à cause de leur visage, mais grâce à leur beauté intérieure. Le langage du corps et l’histoire qu’il raconte m’ont toujours fascinée : des bras croisés, des mains sur les hanches, une tête relevée, une main dans l’autre main… ce sont ces éléments qui racontent une histoire.

7. OMBRES
Je m’intéresse particulièrement aux ombres et je préfère peindre mes personnages à contre-jour. On discerne ce qui est en pleine lumière rapidement mais ce qui est dans l’ombre demande plus de temps pour être vu – et c’est là que l’histoire se passe. Peu de mes peintures arborent du papier vierge de toute couleur, car je préfère des lavis légers dans les zones en pleine lumière. Il ne m’arrive que rarement de laisser du papier blanc ou d’utiliser de la gomme à masquer Winsor & Newton pour préserver mes blancs.

8. PINCEAUX
Peu de pinceaux me suffisent : généralement une brosse plate de 4 cm et des pinceaux de taille 10, 12, 14 et 26 sont suffisants. Je change la taille de mes pinceaux en fonction de celle de ma feuille. Cela me permet de garder le même caractère de touche à travers toutes mes oeuvres. J’ai eu la chance de visiter récemment l’usine Escoda en Espagne : j’apprécie tout particulièrement leurs pinceaux synthétiques, qui ont une très bonne rétention d’eau.

9. PLAGE
Les personnages sur la plage ne sont que le véhicule utilisé pour étudier les sujets qui m’intéressent. J’ai toujours peint ma propre vie et mes expériences. Après avoir déménagé dans l’État du Montana, le sable a laissé la place à la neige et les personnages ont revêtus des vêtements de ski. Une autre série représentait la différence entre le transparent et le translucide et, partant, le fait que la vie n’est pas toujours ce que l’on croit et qu’il y a parfois des forces souterraines sous la surface des choses.

10. SUJETS
J’aime dessiner et les deux endroits que je préfère sont les aéroports et les plages de Californie, où je passe beaucoup de temps à croquer mes personnages. Curieusement, les gens s’habillent à la plage et à l’aéroport d’une façon qu’ils ne le feraient pas ailleurs. C’est presque comme s’ils posaient pour vous. J’ai le sentiment qu’ils adoptent seulement trois ou quatre poses différentes qu’ils répètent ad vitam eternam. Si vous arrivez à saisir l’une d’entre elles, vous parviendrez à capturer votre modèle, même si vous n’incluez pas les détails.

           4 étapes clés pour un tableau réussi

    Le travail des formes en négatif est quelque chose de très important pour moi, j’y accorde beaucoup d’attention lors de la conception de mon tableau. Je laisse dans ma peinture beaucoup d’espaces vierges.
Ce qui m’intéresse avant tout est de montrer l’interaction entre les personnages.

J’adore les couleurs transparentes et ne peins qu’avec elles.
La plupart de mes oeuvres sont travaillées avec trois couleurs teintantes de chez Winsor : bleu Winsor (nuance verte), rose permanent et jaune Winsor. J’ai devant moi 5 ou 6 godets de jaune, 3 de rouge et un de bleu, afin de pouvoir garder mes jaunes et mes rouges propres.
Un des aspects que je préfère dans l’aquarelle est le mélange des couleurs. Je peux à partir de ces trois primaires obtenir toutes les nuances.