Je reste convaincue qu’en matière de réalisme en peinture, l’aquarelle n’est en rien inférieure à la peinture à l’huile.

Mon matériau brut provient à 50 % de mon esquisse, et à 50 % de mon imagination. J’enlève généralement les éléments incongrus ou peu attirants qui ne conviennent pas à l’équilibre de ma composition. Ou alors je les déplace. Parfois, je mets l’accent sur les passages de lumière et d’ombres dans les zones clés et j’amoindris les zones secondaires. Le tout dans le but de rendre une atmosphère.

Ma palette de base se compose des couleurs suivantes : carmin d’alizarine, laque écarlate, jaune de cadmium, orange Winsor, bleu outremer, bleu de cobalt, bleu Winsor, bleu céruléum, viridien, noir de fumée, brun Van Dyck, terre de Sienne brûlée, et terre d’ombre. Elles me permettent de créer une belle harmonie de teintes.

En outre, je peux ajouter en fonction de mes besoins des peintures translucides et opaques.

Ma particularité est de privilégier les couleurs qui granulent, tels que le bleu outremer, le bleu de cobalt, le brun Van Dyck et l’ombre naturelle. En utilisant beaucoup d’eau, on peut obtenir de surprenants effets de texture et de granulation.    

    J’ai commencé par planifier mon sujet et mon fond, en attachant beaucoup d’importance à l’image globale qui exprimera l’atmosphère de la peinture. Je peins mouillé sur mouillé afin de garder un équilibre entre le sujet et le fond, équilibrer mes couleurs sur l’ensemble de la composition et définir mes contrastes d’ombres et de lumière.

J’essaye dans mes peintures d’amalgamer réalisme et imaginaire du mieux que je peux. Par réalisme, j’entends peindre mon sujet tel qu’il peut être vu et, par imaginaire, je veux dire le lien entre l’artiste et le spectateur. Dans mes peintures, ce sont la lumière, le mouvement et les gestes sûrs sur ma feuille qui stimulent le plaisir que peuvent ressentir à la fois l’artiste et le spectateur.

Pour moi, le style consiste avant tout à faire et refaire jusqu’à ce que la peinture trouve son unicité. Au cours de ce voyage, l’artiste va vivre des expériences mémorables ; ce sont elles qui vont devenir sa principale source d’inspiration. Si je peins des fleurs, c’est avant tout parce que je suis inspiré par les saisons et l’éveil de la nature. De plus, je peins celles qui m’inspirent des sentiments tels que l’amour et l’espoir.
En ce sens, serais-je un impressionniste ? En même temps mes touches incisives et agressives ont pour but d’éveiller des sentiments chez le spectateur. C’est ce que j’appelle mon côté expressionniste.    

Page 79 Adisorn Pornsirikarn

    Ce que je sais, c’est que chaque jour je suis toujours aussi enthousiasmé par mon travail. J’éprouve du plaisir en peignant et de l’admiration pour mon sujet, la nature. L’inspiration me vient des gens que j’aime et aussi des histoires qui font surgir en moi des émotions. Tout cela aide à stimuler ma puissance de création. Si je peins, c’est avant tout avec amour et passion et cela me procure de la joie.

Je fais appel à la mémoire et je raconte directement l’histoire sur la feuille – un peu comme s’il s’agissait d’un roman : pour l’expliquer à une personne qui ne l’a pas lu, nous y ajoutons nos propres sentiments. Je préfère, et de loin, exprimer ma satisfaction et mes émotions, pas simplement restituer ce que je vois. C’est sans doute pour cela que j’attaque directement la feuille, sans dessin préparatoire.

Je dois prévoir l’intensité et les contrastes de couleurs, et surtout les emplacements de mes blancs et de mes zones les plus sombres. Dans une peinture en négatif, l’emplacement de la fleur sera laissé vierge lors des premiers lavis afin de rendre sa douceur et sa transparence.

J’essaie de raconter l’histoire de la fleur, donc d’en saisir la force à l’aide de ma touche. En fait, une peinture de fleur est un peu la représentation de la dualité entre la délicatesse de la femme, symbolisée par la douceur des pétales, et la force de l’homme, symbolisé par le geste de l’artiste.

J’aime aussi ajouter des rehauts de lumière qui agissent un peu comme les rayons du soleil réfléchis à travers une pierre précieuse.

Recevoir des fleurs, c’est comme en fait recevoir de l’amour et du soutien moral… voilà le message de mes peintures. Je peins surtout des fleurs locales, des fleurs de saison qui sont une représentation symbolique de la culture de Thaïlande et du Siam.    

Blossom   

Une peinture de fleur est un peu la représentation de la dualité entre la délicatesse de la femme, symbolisée par la douceur des pétales, et la force de l’homme, symbolisé par le geste de l’artiste.

Aquarelle en Russie :
la nouvelle génération

KONSTANTIN STERKHOV ET SES INTÉRIEURS BAIGNÉS DE LUMIÈRE, ALEXANDER VOTSMUSH ET SES SCÈNES ONIRIQUES ET GRAPHIQUES, ANNA IVANOVA ET SES PORTRAITS VIBRANTS OU DASHA RYBINA ET SON MONDE EN GRISAILLE, CHACUN DE CES 4 JEUNES ARTISTES A À COEUR DE TRACER SON PROPRE SILLON.

Un des 4 organisateurs des Masters of Watercolour de St-Petersbourg 2015 (voir Ada 24), Konstantin Sterkhov insiste sur l'importance des valeurs, soutenue par des couleurs naturelles basées sur des pigments minéraux : l’ocre, les terres, les rouges de mars, les sépias… avec quelques bleus.

   Morning Care

    Cette oeuvre est un espace pour l’imagination. La femme dans le fauteuil est en train de se brosser les cheveux. Sa silhouette sombre se découpe contre la lumière filtrant à travers la fenêtre. On ne peut pas voir son visage, on ne peut pas voir ses mains, et on ne peut pas discerner ce qui se passe de l’autre côté de la fenêtre.

Tout cela, ce sont des détails inutiles : il appartient au spectateur de les compléter mentalement. Les informations suffisantes pour comprendre la scène sont : la lumière, le personnage et le mouvement.    

Page 36 Konstantin Sterkhov

Jeune artiste de 34 ans,    Dasha Rybina insuffle une vision originale à des sujets classiques dans une technique monochrome qui n'est pas sans rappeler la grisaille.

    J’ai découvert l’aquarelle comme tous mes amis, durant mon enfance. Ça a été mon premier contact avec l’art. Ma formation académique est double : j’ai suivi des cours au Collège pédagogique et un cursus sur la peinture monumentale à l’Académie des beaux-arts et d’architecture de Kiev. Une amie m’a dit un jour que j’avais inventé une nouvelle façon de peindre : à la douche ! Je ne sais pas si c’est vrai, mais voici comment je procède.
Mes premières oeuvres étaient peintes uniquement à l’aquarelle noire. Après plusieurs expériences, je suis parvenue à un style et une méthode de travail qui me conviennent : mes formes opaques sont obtenues avec de l’encre noire, mes formes transparentes et mes couleurs diluées avec de l’aquarelle noire. Je peux ainsi obtenir une gradation des noirs et des gris qui se rapprochent de la peinture en grisaille et qui donnent à ma peinture cette grâce et cette lumière si particulières.

Je représente souvent des sites architecturaux. Je commence par un dessin au crayon. Ensuite, je remplis l’espace et positionne mes ombres et mes lumières. Une fois que cette première étape est terminée, je lave mon dessin sous la douche !

Cela me permet d’effacer les lignes trop nettes. Ce qui reste alors de mon dessin est ce que je considère important. Une fois ma feuille sèche, je retravaille les détails là où cela me semble essentiel. Je peux répéter ce procédé entre une et cinq fois, si je ne suis pas satisfaite du premier coup.

L’avantage de procéder ainsi est que j’obtiens des effets que je ne pourrais obtenir autrement, c’est-à-dire avec ma main et mon pinceau.    

Page 38    Dasha Rybina

Gate
Aquarelle et encre sur papier, 100 x 100 cm.

Cet été, j’ai vécu sur l’avenue Nevsky à Saint-Pétersbourg, où j’ai eu l’occasion par la suite d’exposer 15 peintures représentant la ville. Tous les matins, je passais devant une grille illuminée par le soleil : elle ressemblait à de la dentelle, découpée dans la lumière

Crossroads
Aquarelle et encre sur papier, 100 x 100 cm.

Ce qui m’a attirée ici était la perspective de ce carrefour où cinq artères se croisent. J’ai été particulièrement interpellée par la verticalité et la finesse d’un des bâtiments, qui se tenait bien droit au croisement.

Alexander Votsmush définit son style comme l'Aquarelle Bouillonnante, soit l’explosion dans le mouillé, le mouvement, la vitesse et la musicalité.

    J'ai peint ma première image à l’école maternelle à l’âge de 5 ans. Je m’en souviens encore : c’était celle d’un loup gris avec une langue verte et des yeux rouges. Je me suis ensuite forgé mon propre style. Je ne me considère pas comme étant affilié à une quelconque tradition.

L’explosion dans le mouillé, le mouvement, la vitesse et la musicalité – voilà les éléments qui forment ma vision de la peinture. Ce que je cherche en fait avant tout est de m’exprimer à travers mes aquarelles, la musique et l’amour. Tous mes amis sont de passionnants artistes et nous nous infl uençons mutuellement. J’admire aussi les artistes du passé, tels que Turner, Anatoly Kokorin et Herluf Bidstrup, ainsi que de très nombreux autres.

Je pense que ma créativité et mon imagination débordantes sont telles que l’aquarelle me convient le mieux pour toucher le coeur des gens. Parce que c’est la technique la plus rapide. Et face à la feuille blanche, l’angoisse a désormais disparu, pour laisser place à la joie de raconter une nouvelle histoire. Je cherche toujours à décrire et à retranscrire ce qui était mon idée initiale. Mais il arrive qu’en cours de route, cette idée change complètement.

Je commence par une esquisse au crayon (jamais plus d’une par aquarelle). Ensuite, je fais un dessin plus poussé sur ma feuille. Puis je pose mes premières couleurs – les primaires. Mes grands aplats sont peints dans l’humide. Enfin, je place mes détails sur sec.    

Page 40 Alexander Votsmush

Anna Ivanova est une portraitiste qui a besoin d'un lien avec son modèle pour trouver l'inspiration et et restituer ressemblance et atmosphère. Ses armes ? L'humilité et la simplicité alliées à une volonté farouche de ne jamais se lasser d'apprendre.

    Chaque artiste avec qui j’ai pu travailler ou dont j’ai pu admirer la peinture a été pour moi une expérience inoubliable et m’a aidée en retour à améliorer et développer ma propre technique. Il est vraiment important pour chaque artiste de voir un maximum d’expositions, d’observer le travail des différents maîtres et d’entendre leurs critiques, parce que je crois qu’il y a toujours de place pour l’amélioration.

Tout est important ! La ressemblance avec le modèle et l’atmosphère générale. À mon sens, les deux ne peuvent être séparées : si vous choisissez de peindre une personne particulière, c’est parce qu’elle vous a inspiré. Et votre tâche consiste à donner à votre tableau une atmosphère globale.

J’englobe dans ma peinture plusieurs techniques, tout dépend du sujet et de mon but. Pour mes paysages, par exemple, je peins mouillé sur mouillé alors que je varie les techniques dans mes portraits.

Dans le cas d’un portrait en atelier, je commence par du mouillé sur sec pour poser mes grandes masses, puis, tandis que je rentre dans les détails, mon pinceau devient de plus en plus sec. Je peins par superposition de couches de couleur. C’est important car ainsi, à l’aide de couches transparentes, je peux obtenir la profondeur et la texture souhaitées. La transparence des couleurs est primordiale pour garder une peinture fraîche et spontanée malgré toutes les couches.

Je passe ensuite au fond, toujours peint mouillé sur mouillé, en humidifiant les deux faces de ma feuille. Parfois, après l’avoir humidifiée, je dessine certains détails que je vais laisser sécher avant de mouiller à nouveau leur pourtour. Ensuite, j’ajoute les couleurs sur le fond. Dans le cas d’un travail en plein air, je vais peindre mouillé sur mouillé.
Dans le cas d’un travail en plein air, je vais peindre mouillé sur mouillé. Là aussi, les deux faces sont mouillées et j’essaye de peindre en une seule session avant que la feuille ne soit sèche.    

Page 42 Anna Ivanova

La peinture de   Barbara Nechis se situe entre le réalisme et l’abstraction. La couleur lui est fondamentale, si les formes peuvent se répéter, chaque couleur est une forme d’expérimentation en soi.

Canadienne diplômée en histoire et en beaux-arts, elle est l’auteur de Watercolor From The Heart: techniques for painting the essence of nature (1993).

    J’utilise généralement des couleurs pures. En revanche, je vais tremper mon pinceau dans plusieurs godets successivement afin que les couleurs se mélangent ensuite sur la feuille. Mais lorsque je passe mes lavis et que je travaille en glacis, il m’arrive effectivement de mélanger mes couleurs.

J’utilise aussi bien des couleurs transparentes et opaques. J’aime bien les couleurs quand je travaille mouillé sur mouillé parce qu’elles retiennent mieux les formes. Il m’arrive aussi de combiner de la gouache à mes aquarelles pour leur donner un peu plus de corps.

Je n’utilise jamais de gomme à masquer ; je peins autour de mes zones blanches. Si je veux récupérer des blancs, je pose un pochoir sur la partie en question et je soulève mes couleurs avec une éponge.    

Page 46   Barbara Nechis

Abstraction
et textures

Après Barbara Nechis, nous continuons sur ce numéro notre chemin vers l'abstraction avec deux autres artistes, l'Américaine Elaine Daily-Birnbaum et le Malaisien Tan Suz Chiang