Mike Kowalski

Pour moi, dessiner est l’aptitude la plus importante qu’un artiste puisse avoir dans son escarcelle. Très souvent, une mauvaise peinture résulte d’un mauvais dessin. L’aquarelle, en particulier, demande en général de savoir bien dessiner. J’aime dessiner avec la pointe de mon pinceau. Très souvent, j’utilise du brou de noix.

Je cherche tous les détails qui vont raconter mon histoire ou ajouter de la couleur locale. Je n’ai pas besoin que mon tableau ressemble exactement à ce que j’ai sous les yeux, mais il demeure important de capturer l’essence de ce qui est là et de ne pas tout inventer. Je n’aime pas par exemple représenter la forme globale d’une voiture que l’on ne pourrait pas reconnaître. Cela prend du temps de savoir ce qu’il faut garder et ce qu’il faut mettre de côté dans son sujet.

Je n’aime pas vraiment les « trucs » et les raccourcis. Je préfère la peinture dans tout ce qu’elle a de plus laborieux et de plus simple : c’est-à-dire avec pinceaux, couteaux et peintures. Il y a quelques techniques que j’utilise, mais que je n’appellerais pas forcément des « trucs ». Je n’emploie jamais de gomme à masquer. Il y a toujours quelque chose de très excitant à remouiller entièrement une feuille à l’eau claire.

Page 40 Mike Kowalski

1. LE DESSIN : Mon dessin se base sur quelques études au crayon. Il est important de bien comprendre la structure d’un bateau : ainsi je peux envisager mentalement plusieurs manières d’aborder ma peinture. Je garde mon dessin aussi lâche que possible et j’aime voir les traits de pinceaux dans mon aquarelle finie. J’ai choisi une feuille 140 lbs, grain fin.
2. Ma première étape consiste à poser une peinture très visqueuse. Je peins également les zones les plus sombres, ainsi que les lignes les plus importantes et quelques détails.

3. Je travaille du foncé vers le clair. Ici, je me concentre sur les tons intermédiaires. C’est généralement à ce stade que je pose mes ombres et les grandes masses, indiquées par de simples lavis. Je laisse les tons froids et chauds se mêler.
4. Les zones chaudes du toit du bâtiment sont rapidement posées. Je peins les bâches au plafond en négatif, mais comme j’oeuvre dans l’humide, les contours restent flous.

5. Je peins le bateau en ajoutant mes tons les plus chauds sous le toit. Le petit voilier à l’arrière-plan et les détails du personnage sont ajoutés. À l’aide d’un second lavis assez libre, j’ajoute des textures dans le plafond. Enfin, je pose les éléments au premier plan à l’aide de quelques gestes.
6. J’ai une tendance à privilégier les formats étroits et verticaux, ce qui correspond à un ratio d’à peu près 3/2.

1. DES GLACIS OPAQUES ET TRANSPARENTS : Après les textures sous-jacentes, mon souci est de placer des larges masses et des divisions spatiales sur la surface initiale. Cela est généralement accompli par des glacis à la fois sombres et transparents, puis clairs et opaques. Je neutralise certaines zones de cette façon afin que les couleurs pures et les textures plus intéressantes demeurent.
2. FORMES,LIGNES ET TEXTURES : Toutes ces formes peuvent être ennuyeuses à moins que je joue sur les contours et que je lie d’une manière ou d’une autre les formes entre elles. C’est ici que les pochoirs entrent en jeu. Je superpose, pochoir après pochoir, ajoute de la peinture, en enlève, modifi e mes nuances colorées tout en gardant les mêmes valeurs… afi n de développer des passages qui vont retenir l’attention par leur complexité. Les pochoirs sont le point de départ de mes motifs, je reviens constamment dessus par des glacis ou des jeux d’échelle afin d’avoir des espaces plats sur lesquels je développerai des textures. Je dessine avec mes pinceaux, des crayons aquarellables et des crayons graphites solubles à l’eau. Un ruban adhésif me sert à garder mes contours nets et rectilignes, mais mes lignes droites sont également obtenues avec une main ferme.

3. ACCENTUER LE POINT FOCAL : Puis, afin d’équilibrer ces motifs, j’ajoute de la couleur pure et des contrastes de valeur. Je me sers aussi de mon travail sur la ligne pour faire un lien entre les différents espaces, allant et venant en chevauchant mes traces… tout en espérant créer un point focal intéressant. Tandis que ma peinture avance, j’atténue certaines lignes et place mes contrastes les plus forts et mes couleurs les plus pures, qui attireront le regard. Les liens entre les formes s’effectuent grâce à des lignes d’intersection, des répétitions et des chevauchements de couleurs. J’essaye d’éviter autant que possible les formes et les couleurs isolées ; très souvent, je vais venir rompre un contour trop net avec une ligne ou une forme afin de ne pas enfermer l’oeil. Le résultat fi nal n’est qu’une réaction intuitive, après des heures de réflexion.
4. FAIRE INTERVENIR L'INTUITION : Il s’agit maintenant d’une étape intuitive : j’étudie ma peinture et j’espère qu’elle me parlera et me dira ce que je dois rajouter. Ici, ce fut un demi-cercle jaune sur le bord gauche. Je prends des photos de ma peinture afi n de la visualiser sur l’écran de mon ordinateur. Lorsque l’image est réduite, les problèmes sautent aux yeux. Mon choix de couleurs fonctionne par paires de teintes complémentaires, même si je n’ai pas de règles strictes. Je neutralise les couleurs pures à l’aide de terre d’ombre et de blanc afin que les passages qui soutiennent mes zones plus vives soient chauds et tranquilles, sans faire de la boue grise. Et j’aime bien avoir une zone de contrastes vifs. Les acryliques ont un pouvoir teintant plus fort que celui de l’aquarelle ; elles sont aussi moins chères et restent en place lorsque je les pose en glacis. Aussi toutes mes couches supérieures sont-elles à l’acrylique.

Tableau à la loupe

• LE SUJET : Le Yunnan est une région belle et mystérieuse. Sa population se compose de beaucoup de groupes ethniques différents. À chaque groupe son costume, ses traditions et son style de vie. Dans cette peinture, j’ai choisi de montrer les Yi. Certains peuples vivent encore dans des conditions presque primitives : ils vénèrent le soleil, la terre, l’eau et les femmes. Il y a tellement de sources d’inspiration dans le Yunnan que c’est un véritable paradis pour le peintre.
• FAIRE RESSORTIR SES PERSONNAGES : Mon arrière-plan varie d’oeuvre en oeuvre. En règle générale, je fais en sorte qu’il n’attire pas le regard au détriment du centre d’intérêt. J’ai abordé l’arrière-plan de Sound of Yunnan en pensant au « design » global de ma peinture. En effet, ces masses noires et rectilignes servent à encadrer mon sujet. Le fond a été peint dans le mouillé pour obtenir un effet de douceur et des couleurs fl oues. Certains éléments sont dus au hasard, ce qui fait partie des plaisirs de l’aquarelle.
• LA SIGNIFICATION : Dans Sound of Yunnan ou « la musique du Yunnan » (NdT), je voulais montrer aux autres habitants de mon pays (voire au monde entier) ce qui caractérise ce peuple. Leurs costumes traditionnels sont de toute beauté et, lorsqu’ils travaillent, ils ont pour habitude de chanter. D’ailleurs, ces filles sont justement en train de chanter un bel air traditionnel. J’espère que ma peinture va donner envie aux spectateurs de venir écouter leurs chansons – ce qui explique son titre.

1. Cherchez les endroits où vous pouvez casser la ligne nette de la naissance des cheveux : à cet endroit vos contours seront flous afin de lier la chevelure au visage. Les ombres projetées par les cheveux sont un endroit où placer des reflets de lumière ainsi que des couleurs.
2. Les sourcils ont généralement plus d’une valeur. Cherchez le point le plus sombre et travailler à partir de celui-ci, en variant valeur et couleur. Cherchez les zones où vous pouvez étendre la couleur du sourcil sur les zones adjacentes de la peau… ce qui vous permettra de lier le sourcil au front. Pensez également au fait que certains sourcils réfléchissent la lumière.
3. En pleine lumière, les plis et les changements de direction des différentes surfaces de la peau d’un visage plus buriné sont autant d’occasions d’apporter de la couleur.

4. Exprimé dans sa forme la plus simple, le nez consiste en quatre plans, et chacun avec une source de lumière et une couleur différentes. Il ne faut pas oublier les accents de lumière sur la partie la plus proche de la source lumineuse, la partie éloignée de la lumière (sur laquelle on trouve fréquemment la lumière et les couleurs réfléchies des formes adjacentes), et enfi n la partie entre les deux, représentée avec des valeurs moyennes avec bien souvent un rehaut coloré. La partie inférieure du nez est le meilleur endroit pour représenter la lumière réfléchie. Prenez garde : chaque narine a une forme particulière, avec un contour net et un contour flou. Et elles ne sont jamais rondes ou bleues !
5. Quand savoir s’arrêter ? Il arrive un point de la peinture où elle est terminée à, mettons, 80 ou 90 %. L’ensemble est satisfaisant mais une ou deux zones peuvent encore être améliorées. À ce stade, il est très difficile de peindre avec confiance…